Musique : Muse, histoire, style et succès d’un groupe légendaire

 

Né à Teignmouth, une petite ville côtière du Devon, en Angleterre, Muse voit le jour en 1994 autour de trois amis de lycée : Matthew Bellamy (chant, guitare, piano), Chris Wolstenholme (basse) et Dominic Howard (batterie). Leur complicité musicale fusionne rapidement et donne naissance à un style aussi audacieux qu’inclassable. D’abord baptisé Rocket Baby Dolls, le trio adopte finalement le nom Muse, plus sobre et mystérieux. Muse, c’est avant tout un son unique. Ils mêlent rock alternatif, musique classique, électro, space rock et opéra dans des compositions souvent grandiloquentes. Matthew Bellamy, véritable tête pensante du groupe, y ajoute des textes sombres et dystopiques, inspirés par Orwell, la fin du monde, les théories du complot ou encore la technologie. Sa voix puissante et vibrante, sa virtuosité à la guitare comme au piano, sont devenues des signatures du groupe. Parmi leurs plus grands hits, on trouve Time Is Running Out, Hysteria, Knights of Cydonia, Supermassive Black Hole, Uprising, Starlight, Plug In Baby ou encore Psycho. Ces morceaux, souvent épiques, sont devenus des hymnes générationnels. Le live HAARP (2008), enregistré à Wembley, est considéré comme l’un des meilleurs concerts rock du XXIe siècle. En tout, Muse a sorti neuf albums studio, ils ont vendu plus de 30 millions d’albums dans le monde, et raflé des dizaines de prix, dont plusieurs Brit Awards, MTV Awards, Grammy Awards et NME Awards. Muse est aussi l’un des rares groupes à avoir rempli plusieurs fois le Stade de Wembley ou encore le Stade de France. Muse détient un Guinness World Record pour la tournée la plus lucrative d’un groupe britannique aux États-Unis en 2010. Sur scène, Muse est réputé pour son arsenal technologique futuriste : hologrammes, drones volants, écrans géants, lasers, et mises en scène apocalyptiques. En 2015, ils ont remporté le Grammy du meilleur album rock pour Drones, un disque conceptuel sur les robots tueurs.

Muse n’est pas juste un groupe de rock : c’est une expérience sensorielle, philosophique et musicale. Entre révolte et lyrisme, entre riffs ravageurs et envolées symphoniques, ils incarnent un rock moderne, intelligent, engagé. Ils ont su évoluer sans jamais trahir leur essence, et continuent de rallier des fans dans le monde entier. Un groupe à la fois prophétique et spectaculaire, à l’image d’une époque où tout peut basculer.

Musique : Killing Joke, les prophètes du chaos sonique

  Fondé à Londres en 1978, Killing Joke naît dans les décombres du punk. Mené par le charismatique Jaz Coleman (chant, claviers) et le guitariste Geordie Walker, le groupe cherche dès le départ à fusionner violence sonore, mysticisme apocalyptique et groove tribal. Le batteur Big Paul Ferguson et le bassiste Youth (plus tard producteur pour The Verve ou Paul McCartney) complètent la formation originelle. Leur style est immédiatement identifiable : une rythmique martiale, des guitares abrasives, une basse hypnotique et des claviers menaçants. Précurseurs de l’industriel, ils influencent autant le métal que l’électro ou le rock alternatif. Leur esthétique visuelle, inspirée du symbolisme, de l’occultisme et de la critique sociale, évoque une dystopie permanente. Leur titre le plus emblématique, Eighties (1984), est une claque post-punk à la fois dansante et cynique. Ironie du sort : le riff d’intro ressemble étrangement à celui de Come as You Are de Nirvana, ce qui ne passera pas inaperçu. Dave Grohl lui-même jouera plus tard de la batterie sur un album du groupe. En plus de Eighties, Killing Joke signe des classiques comme Requiem, Love Like Blood, Wardance ou Pandemonium. Leur discographie compte 15 albums studio, dont les plus marquants restent Killing Joke (1980), Night Time (1985), Pandemonium (1994), et Killing Joke (2003). Ils ont vendu environ 3 millions d’albums dans le monde.

Toujours actif, toujours abrasif, Killing Joke reste une voix lucide dans le vacarme contemporain. Comme le résume si bien Jaz Coleman : "We’re not here to entertain. We’re here to challenge you."

Musique : Phoenix, pop chic, cœur électrique

  Né à Versailles à la fin des années 1990, Phoenix est un groupe français formé autour de quatre amis d’enfance : Thomas Mars (chant), Deck d’Arcy (basse), et les frères Laurent Brancowitz (guitare) et Christian Mazzalai (guitare). Issus de la même scène que les groupes Air et Daft Punk, qu'on appelle la French Touch, Phoenix a émergé dans une effervescence musicale qui a marqué les années 2000. Phoenix navigue dans un univers pop rock/électro teinté d’indie, souvent qualifié de pop sophistiquée ou synth-pop à la française. Leur son se distingue par des mélodies accrocheuses, des structures inventives, des textures électroniques élégantes et une production extrêmement léchée, notamment à partir de leur troisième album. Ils chantent majoritairement en anglais, choix assumé qui leur a ouvert une carrière internationale. 

  Le groupe fonctionne comme une entité soudée, sans leader omniprésent, bien que Thomas Mars en soit la voix et la figure médiatique. Phoenix écrit, compose et produit la majeure partie de sa musique de manière autonome, avec une attention méticuleuse portée aux détails. Le quatuor affiche une fidélité rare dans le monde du rock : aucun changement de membres depuis sa formation. 

  Ils ont produits 7 albums, chacun possède une identité propre, des hits comme "1901" Lisztomania" "If I Ever Feel Better" Phoenix a vendu plus de 3 millions d’albums dans le monde. Leur plus grand succès commercial reste Wolfgang Amadeus Phoenix, qui s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires et leur a valu un Grammy Award du meilleur album de musique alternative en 2010. Leur studio d’enregistrement est installé dans le château de Versailles, dans une aile discrète, transformée en laboratoire sonore.

  Phoenix s’impose comme l’un des groupes français les plus influents et respectés à l’international. Leur capacité à réinventer leur son sans jamais perdre leur essence fait d’eux des artisans modernes de la pop, élégants et intemporels.