Musique : -M- : un virtuose, créatif et héritier d’une légende musicale

 

  Mathieu Chedid, connu sous le pseudonyme -M-, est l’une des figures les plus emblématiques de la scène musicale française contemporaine. Fils de Louis Chedid, chanteur et compositeur reconnu, -M- a su se forger une identité artistique singulière, alliant virtuosité musicale, audace scénique et inventivité stylistique. Depuis ses débuts à la fin des années 1990, il s’impose comme un artiste capable de jongler entre le rock, la pop, le funk et des sonorités électro, créant un univers reconnaissable entre tous grâce à son jeu de guitare énergique, sa voix modulée et son fameux personnage au « M » flamboyant sur scène. L’univers de -M- est marqué par une esthétique très visuelle et théâtrale. Sur scène, il joue autant de son instrument que de sa présence scénique, transformant chaque concert en spectacle complet où les costumes, les lumières et les mises en scène dialoguent avec la musique. Cette dimension performative, héritée de son goût pour le théâtre et le cinéma, fait de lui un artiste à part dans le paysage musical français, capable de surprendre et de captiver son public à chaque apparition. Côté discographie, -M- a su imposer son style avec des albums emblématiques tels que Je dis aime (1999), qui lui vaut une reconnaissance critique et publique immédiate, Qui de nous deux (2003), où il explore des thèmes plus introspectifs, et Îl (2012), qui marque une maturité musicale et un travail sur des textures sonores complexes. Chacun de ses albums est une exploration audacieuse, mêlant textes poétiques, humour, engagement et innovation musicale, tout en conservant une cohérence dans l’identité artistique de l’artiste. Au fil des années, -M- a également multiplié les collaborations, allant de la chanson française avec Vanessa Paradis ou Brigitte Fontaine, à des projets plus expérimentaux ou internationaux. Son implication dans la création musicale ne se limite pas à sa propre carrière : il compose pour d’autres, produit, et participe à des projets collectifs, faisant preuve d’une créativité inépuisable. Sa capacité à naviguer entre succès populaire et exigence artistique lui confère une position unique dans le paysage musical français, respecté autant par le public que par ses pairs.

  En conclusion, -M- n’est pas seulement un musicien ou un chanteur : il est un véritable créateur d’univers, un artiste complet dont l’influence dépasse la simple scène musicale. Ses albums, ses concerts et ses collaborations témoignent d’une quête constante de renouvellement et de liberté artistique. Au-delà du personnage extravagant et de la virtuosité instrumentale, c’est un explorateur de son et d’émotions, un narrateur qui mêle sensibilité, humour et audace. L’art de -M- réside dans sa capacité à transformer chaque note en expérience, chaque texte en voyage, chaque concert en spectacle immersif. Il nous rappelle que la musique peut être à la fois populaire et exigeante, spectaculaire et intime, et qu’un artiste peut réellement créer un monde à lui seul, capable de toucher profondément ceux qui s’y aventurent. Dans un monde musical souvent formaté, -M- demeure une invitation à l’émerveillement, à la curiosité et à l’audace créative.

Musique : James Blunt, la sensibilité au sommet des charts

 

 

  James Blunt est un chanteur britannique qui a su conquérir le cœur du public international grâce à sa voix unique et à ses compositions émotionnelles. Né le 22 février 1974 à Tidworth, en Angleterre, Blunt a grandi dans une famille à forte tradition militaire et a lui-même servi comme officier dans l’armée britannique avant de se consacrer pleinement à la musique. Cette expérience militaire, loin de le rendre rigide, semble au contraire avoir nourri la profondeur et la sensibilité de ses chansons. Blunt est surtout connu pour son premier album “Back to Bedlam” (2004), un véritable tremplin vers la célébrité mondiale. Le titre “You're Beautiful”, qui mélange une mélodie douce et une parole poignante, a rapidement conquis les charts et reste à ce jour son plus grand succès commercial. Mais James Blunt n’est pas qu’un “one-hit wonder” : des morceaux comme “Goodbye My Lover” ou “Wisemen” témoignent de sa capacité à traduire les émotions complexes en paroles accessibles et touchantes. Musicalement, James Blunt se situe entre pop, rock soft et ballade acoustique, avec une prédilection pour le piano et la guitare. Ses textes, souvent introspectifs, abordent l’amour, la nostalgie et les réflexions personnelles, créant un univers où le public peut facilement s’identifier. Ce mélange de simplicité mélodique et de profondeur lyrique fait de Blunt un artiste dont les chansons traversent les générations et les cultures. Au fil des années, James Blunt a continué à sortir des albums comme “All the Lost Souls” (2007), “Some Kind of Trouble” (2010) ou “Once Upon a Mind” (2019), chacun reflétant une évolution artistique et personnelle. Son style, bien qu’ayant gardé son ADN mélancolique, a su intégrer des influences plus modernes et des sonorités pop plus légères, élargissant ainsi son public.

  James Blunt représente un paradoxe fascinant dans le monde de la musique contemporaine : il incarne à la fois la fragilité émotionnelle et la solidité d’un parcours artistique réfléchi. Sa popularité ne repose pas uniquement sur des mélodies accrocheuses, mais sur la sincérité qui transparaît dans chacune de ses chansons. Il est un artiste capable de transformer des expériences personnelles, parfois douloureuses, en un langage universel qui touche profondément l’auditeur. Ce mélange de vulnérabilité et de maîtrise technique fait de James Blunt une figure durable de la pop moderne, rappelant que la musique, au-delà de l’éphémère, est avant tout une émotion partagée.

Musique : Genesis, quand le rock progressif rencontre la pop

  Genesis, formation légendaire du rock britannique, est l’un des groupes les plus influents de l’histoire de la musique. Formé en 1967 à Godalming, en Angleterre, le groupe a traversé plusieurs époques musicales, allant du rock progressif complexe des années 1970 à une pop sophistiquée et accessible dans les années 1980. Genesis a su évoluer sans jamais perdre son identité, mélangeant virtuosité instrumentale, arrangements ambitieux et sensibilité mélodique. Le line-up initial comprenait Peter Gabriel au chant, Tony Banks aux claviers, Mike Rutherford à la guitare et à la basse, Anthony Phillips à la guitare et Chris Stewart à la batterie. Très vite, Phil Collins rejoint le groupe comme batteur, avant de devenir chanteur après le départ de Peter Gabriel en 1975. La période Gabriel est marquée par des albums cultes tels que Foxtrot (1972) et Selling England by the Pound (1973), où Genesis explore des compositions longues, théâtrales, et poétiques, avec des thèmes inspirés de la littérature, de la mythologie et de la société. Après le départ de Gabriel, la carrière de Genesis prend un virage plus grand public. Avec Phil Collins au chant, le groupe signe des albums à succès tels que A Trick of the Tail (1976), Invisible Touch (1986) et We Can’t Dance (1991), mélangeant rock, pop et éléments progressifs. Le style devient plus mélodique, mais les membres restent des musiciens accomplis, capables de compositions sophistiquées et de performances scéniques impressionnantes. Leurs concerts, souvent spectaculaires, ont contribué à forger la légende du groupe, avec des mises en scène théâtrales héritées de l’époque Gabriel et des innovations techniques pour l’époque. Genesis a vendu plus de 150 millions de disques dans le monde, témoignant de sa popularité universelle. Le groupe a également influencé de nombreux artistes, allant de Marillion et Yes à Coldplay et Radiohead, tant par leur approche de la narration musicale que par leurs expérimentations progressives et pop. Leurs morceaux emblématiques comme Invisible Touch, I Can’t Dance ou Firth of Fifth continuent d’inspirer et de captiver les générations de fans.

  Genesis n’est pas simplement un groupe de rock ; c’est une véritable institution musicale qui a su réconcilier complexité artistique et succès populaire. Leur parcours illustre l’adaptabilité et la créativité sans compromis, passant du théâtre musical progressif à la pop raffinée avec une cohérence rare. Le génie de Genesis réside dans sa capacité à raconter des histoires, à créer des atmosphères et à transcender les époques, tout en restant profondément humain et émotionnel. Plus qu’un groupe, Genesis est un miroir de l’évolution du rock britannique et mondial, un exemple de ce que la musique peut accomplir lorsqu’elle allie technique, émotion et innovation. Leur héritage demeure vivant, vibrant, et continue de marquer tous ceux qui cherchent dans la musique non seulement des sons, mais des voyages intérieurs.

Musique : Beck, l’artiste caméléon qui réinvente sans cesse la musique

 

  Beck, de son vrai nom Beck Hansen, est l’un des artistes les plus singuliers et insaisissables de la scène américaine. Depuis les années 1990, il navigue entre folk bricolée, rock alternatif, hip-hop décalé, pop mélancolique et expérimentations électroniques. Sa carrière, marquée par une créativité sans frontières, lui a permis de bâtir une œuvre aussi dense que surprenante, où chaque album semble redéfinir les règles du jeu. Il se fait connaître mondialement en 1994 avec "Loser", tube ironique devenu hymne générationnel. Mais Beck refuse très vite le rôle de simple phénomène alternatif : il enchaîne des disques ambitieux comme Odelay (1996), mélange jubilatoire de samples, riffs poussiéreux et grooves étranges, considéré comme l’un des albums les plus influents des années 1990. La suite de sa discographie confirme son talent polymorphe : l’intimiste Sea Change (2002) dévoile un versant plus fragile et mélancolique, alors que Guero (2005) et The Information (2006) renouent avec un patchwork sonore électro-funk et hip-hop. Artiste caméléon, Beck surprend encore en 2014 avec Morning Phase, album lumineux et aérien qui lui vaut trois Grammy Awards, dont celui du meilleur album de l’année. Sa capacité à réinventer son langage musical est ce qui fait sa force : il est à la fois nostalgique et moderne, expérimental et accessible, vintage et futuriste. Selon un recensement des ventes d’albums, Beck aurait vendu plus de 8 422 800 albums au total

  Aujourd’hui encore, Beck continue d’explorer de nouveaux territoires sonores, collaborant aussi bien avec Pharrell Williams que Gorillaz. Toujours en mouvement, toujours curieux, il reste l’un des musiciens les plus respectés et influents de sa génération, capable de réunir les amateurs de pop, de rock, d’indé ou d’électro autour d’une même vision : la liberté totale de création.

Musique : Maroon 5, du groove californien à la pop mondiale

  Formé à la fin des années 1990 à Los Angeles, Maroon 5 est aujourd’hui l’un des groupes les plus emblématiques de la pop contemporaine. À l’origine baptisé Kara’s Flowers, le groupe se réinvente au début des années 2000, autour d’un son mêlant rock, funk, R’n’B et pop moderne. Sous l’impulsion charismatique de Adam Levine, chanteur à la voix haut perchée et au style reconnaissable, Maroon 5 s’impose comme un phénomène planétaire dès son premier album, Songs About Jane (2002). Le succès est immédiat. Les titres “This Love”, “She Will Be Loved” et “Harder to Breathe” propulsent le groupe au sommet des charts internationaux. L’alchimie entre les guitares funky, les mélodies accrocheuses et les refrains romantiques séduit un public très large, aussi bien amateur de pop que de soul. Adam Levine devient rapidement une icône du charisme pop-rock, tandis que le groupe impose une identité sonore inimitable. Au fil des années, Maroon 5 affine sa formule. L’arrivée du clavieriste PJ Morton et l’évolution vers une production plus électronique marquent un tournant avec Hands All Over (2010), porté par le tube “Moves Like Jagger”, en duo avec Christina Aguilera. Cette chanson incarne parfaitement le virage du groupe vers la pop dansante et universelle, tout en conservant une touche funky héritée de leurs débuts. Avec les albums suivants : Overexposed (2012), V (2014), Red Pill Blues (2017) et Jordi (2021)  le groupe explore sans complexe les collaborations avec des artistes hip-hop et électro, comme Kendrick Lamar, Cardi B ou Megan Thee Stallion. Malgré cette évolution, la patte Maroon 5 reste reconnaissable : une énergie solaire, des refrains imparables et cette recherche constante du hit parfait. Sur scène, Maroon 5 brille par son professionnalisme. Le groupe est réputé pour ses performances millimétrées, son groove contagieux et la voix impeccable d’Adam Levine. Des stades américains aux tournées mondiales, Maroon 5 continue de séduire un public intergénérationnel, fidèle à une musique qui allie émotion, sensualité et plaisir immédiat. Avec plus de 90 millions d’albums vendus et plusieurs milliards d’écoutes en streaming, Maroon 5 reste un pilier de la pop mondiale. En conjuguant talent, adaptation et charisme, le groupe a su traverser les modes sans jamais perdre de vue son essence.

  En plus de vingt ans de carrière, Maroon 5 a prouvé qu’il était bien plus qu’un simple groupe à succès : c’est une véritable institution de la pop moderne. Leur capacité à se renouveler sans perdre leur identité, à fusionner les styles et à toucher des générations entières fait d’eux un symbole de longévité et de créativité. Des débuts intimistes de Songs About Jane aux sonorités électroniques de Jordi, Maroon 5 incarne la constance dans l’évolution. Toujours entre émotion et énergie, le groupe californien continue d’écrire sa légende, celle d’artistes qui ont su transformer la pop en une expérience universelle, vibrante et intemporelle.

Musique : Supertramp, un voyage musical inoubliable

  Supertramp est un groupe britannique emblématique des années 1970, reconnu pour son style unique mêlant rock progressif, pop et touches de jazz. Formé à Londres en 1969 par Roger Hodgson et Rick Davies, le groupe s’est rapidement distingué par ses compositions sophistiquées et ses arrangements innovants. Leur musique se caractérise par des claviers omniprésents, des harmonies vocales soignées et des paroles souvent introspectives. Leur album “Crime of the Century” (1974) marque un tournant décisif dans leur carrière. Avec des titres comme “Dreamer” ou “Bloody Well Right”, Supertramp conquiert le public grâce à une combinaison subtile de mélodies accrocheuses et de thèmes profonds sur la vie et les relations humaines. Le succès commercial se confirme avec “Breakfast in America” (1979), un album mondialement célèbre qui contient des hits tels que “The Logical Song”, “Take the Long Way Home” et “Goodbye Stranger”. Cet album leur apporte une reconnaissance internationale et se vend à plusieurs millions d’exemplaires. Au fil des années, Supertramp a su évoluer sans jamais perdre son identité musicale. Les échanges créatifs entre Rick Davies et Roger Hodgson ont permis au groupe de produire des albums aux sonorités riches et variées, explorant tour à tour le rock, le pop, et même des passages plus expérimentaux. Malgré le départ de Roger Hodgson en 1983, le groupe a continué à tourner et à produire des albums, restant fidèle à son style distinctif. Supertramp, le groupe britannique emblématique, a enregistré un total de 11 albums studio, 6 albums en concert, 4 albums compilations et 28 singles. En termes de ventes, Supertramp a écoulé plus de 71,2 millions d'albums dans le monde entier, selon les estimations les plus récentes

  Supertramp reste aujourd’hui un symbole du rock progressif accessible et mélodique, capable de séduire à la fois les amateurs de complexité musicale et les auditeurs en quête de mélodies entraînantes. Leur capacité à combiner des textes réfléchis avec des arrangements inventifs leur a permis de traverser les décennies sans perdre leur identité. Même après le départ de Roger Hodgson, l’héritage du groupe continue de résonner dans le monde de la musique, inspirant de nombreux artistes contemporains. Les albums de Supertramp, qu’il s’agisse des classiques des années 70 ou des œuvres plus récentes, offrent une expérience auditive riche, où chaque écoute révèle de nouvelles nuances. Pour ceux qui aiment explorer la fusion entre rock, pop et progressif, Supertramp reste une référence incontournable, un voyage musical où émotion et virtuosité se rencontrent avec élégance.

 

Musique : Indochine, 40 ans de succès entre ombre et lumière

  Né en 1981, Indochine est le fruit d'une rencontre entre Stephane Sirkis et Nicola Sirkis (jumeaux). Dans un contexte post-punk et new wave, leur envie commune de créer une musique différente du courant dominant donne naissance à un style mêlant mélodies entêtantes, textes énigmatiques et influences synthétiques venues de l’Angleterre. Très vite, le groupe prend son envol avec des titres qui marquent toute une génération. Indochine, c’est un mélange singulier de romantisme noir, de rock synthétique et d’une forme de poésie mélancolique. Le groupe emprunte à la cold wave, à la pop et au rock gothique tout en conservant une identité visuelle forte. On y retrouve des textes empreints de mystère, de rébellion douce, de quête identitaire et de nostalgie adolescente. Leur univers, souvent qualifié de "dark romantique", parle autant à la jeunesse des années 80 qu’à celle d’aujourd’hui. Leur carrière décolle avec l’album L’Aventurier (1982), dont la chanson titre, inspirée de Bob Morane, devient immédiatement culte. Suivent Trois nuits par semaine, Canary Bay, Tes yeux noirs, 3e sexe... Le succès est fulgurant dans les années 80. Après un passage à vide dans les années 90, Indochine revient en force avec Paradize (2002), porté par J’ai demandé à la lune, puis enchaîne les tubes modernes : Alice & June, College Boy, La vie est belle, Un été français etc... Indochine a sorti 13 albums studio entre 1982 et 2024, ainsi que de nombreux albums live et compilations. Ils ont vendu plus de 13 millions d’albums à travers le monde. Le groupe détient aussi le record du plus grand nombre de concerts donnés dans les stades français pour un groupe francophone.

  Indochine n’est pas juste un groupe : c’est une histoire d’amour durable avec son public, une voix pour les êtres sensibles et marginaux, un refuge pour les cœurs mélancoliques. À travers les décennies, leur musique a su évoluer sans jamais trahir son âme. Indochine, c’est l’éclat d’une étoile noire dans le ciel de la pop française. Une aventure humaine et artistique, sincère et flamboyante. Et c’est loin d’être fini.

Musique : Blondie, énergie, mode et fusion

 Fondé en 1974 à New York par la chanteuse Debbie Harry et le guitariste Chris Stein, Blondie est né dans l’effervescence du CBGB, le club mythique qui a vu éclore les Ramones, Television ou Patti Smith. À ses débuts, le groupe s’inscrit dans le mouvement punk, mais Blondie se distingue rapidement par une volonté de mélanger les genres : surf rock, pop sucrée, reggae, disco... tout y passe ! Charismatique, glam et rebelle, Debbie Harry devient rapidement une icône féminine et féministe du rock. Son look mêlant sex-appeal et nonchalance inspire autant les musiciens que les stylistes. Elle est souvent comparée à Marilyn Monroe version punk. Mais sous cette image se cache une voix singulière et un sens artistique affûté. Avec l’album Parallel Lines (1978), Blondie explose à l’international. Le succès se poursuit jusqu’au début des années 1980, mais les tensions internes, les problèmes de santé de Chris Stein et les transformations musicales entraînent une pause du groupe dès 1982. Leur force : une capacité à réinventer le rock sans jamais trahir leur essence. 15 albums (lives, studios...) environ 40 millions d’albums dans le monde. Leur album le plus vendu est "Parallel Lines" (1978), qui s’est écoulé à plus de 20 millions d’exemplaires à lui seul. Des hits comme : "Atomic" "Heart Of Glass" "One Way Or Another" "The Tide is High"

Musique : Phoenix, pop chic, cœur électrique

  Né à Versailles à la fin des années 1990, Phoenix est un groupe français formé autour de quatre amis d’enfance : Thomas Mars (chant), Deck d’Arcy (basse), et les frères Laurent Brancowitz (guitare) et Christian Mazzalai (guitare). Issus de la même scène que les groupes Air et Daft Punk, qu'on appelle la French Touch, Phoenix a émergé dans une effervescence musicale qui a marqué les années 2000. Phoenix navigue dans un univers pop rock/électro teinté d’indie, souvent qualifié de pop sophistiquée ou synth-pop à la française. Leur son se distingue par des mélodies accrocheuses, des structures inventives, des textures électroniques élégantes et une production extrêmement léchée, notamment à partir de leur troisième album. Ils chantent majoritairement en anglais, choix assumé qui leur a ouvert une carrière internationale. 

  Le groupe fonctionne comme une entité soudée, sans leader omniprésent, bien que Thomas Mars en soit la voix et la figure médiatique. Phoenix écrit, compose et produit la majeure partie de sa musique de manière autonome, avec une attention méticuleuse portée aux détails. Le quatuor affiche une fidélité rare dans le monde du rock : aucun changement de membres depuis sa formation. 

  Ils ont produits 7 albums, chacun possède une identité propre, des hits comme "1901" Lisztomania" "If I Ever Feel Better" Phoenix a vendu plus de 3 millions d’albums dans le monde. Leur plus grand succès commercial reste Wolfgang Amadeus Phoenix, qui s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires et leur a valu un Grammy Award du meilleur album de musique alternative en 2010. Leur studio d’enregistrement est installé dans le château de Versailles, dans une aile discrète, transformée en laboratoire sonore.

  Phoenix s’impose comme l’un des groupes français les plus influents et respectés à l’international. Leur capacité à réinventer leur son sans jamais perdre leur essence fait d’eux des artisans modernes de la pop, élégants et intemporels.

Musique : The Small Faces, énergie brute, folie douce et élégance britannique

 

  Dans le swinging London des années 60, quatre jeunes musiciens à l’allure soignée et au son tranchant décident de monter un groupe. Il se forme en 1965 autour de Steve Marriott, Ronnie Lane, Kenney Jonesnet et Jimmy Winston (remplacé plus tard par Ian McLagan aux claviers). Leur nom, "The Small Faces" fait référence à leur petite taille et au mot "face", désignant un mod influent. 

  Très vite, The Small Faces deviennent les chouchous de la scène mod, ce courant british stylé, énergique et amoureux de soul et de rock. Et très vite, ils cartonnent avec des tubes comme Sha-La-La-La-Lee ou Watcha Gonna Do About It, au croisement du Rythm & Blues nerveux et de la pop mélodique. Mais c’est avec l’évolution vers la pop psychédélique que les Small Faces frappent un grand coup. 

  Petite parenthèse, en 1967, les Small Faces doivent jouer à l’Olympia. Mais Steve Marriott refuse de monter sur scène à cause d’un différend avec l’organisateur, qu’il juge irrespectueux. Conséquence, le public est furieux, il y a des bagarres dans les coulisses et des instruments détruits. 

  En 1968, ils sortent Ogden’s Nut Gone Flake, un album concept fou, construit comme un conte psychédélique narré par le délirant Stanley Unwin. C’est l’un des disques les plus audacieux de l’époque, tant par sa forme que par son fond. Lazy Sunday, Afterglow, Song of a Baker... tout y est brillant, audacieux, et dément. “Lazy Sunday” était censée rester une blague, une sorte de délire musical avec accent cockney très marqué. Mais leur label l’a sortie en single sans leur autorisation, la jugeant trop accrocheuse pour être ignorée. Résultat : un énorme succès, mais tension maximale avec le groupe. Leur plus gros hit, Itchycoo Park, une balade planante aux effets studio novateurs (notamment l'utilisation du phasing), reste un classique du Summer of Love made in UK. Le célèbre effet de phasing (le son “tourbillonnant”) qu’on entend dans Itchycoo Park était une première dans l’histoire de la musique pop. Les ingénieurs ont obtenu ce son en synchronisant deux bandes magnétiques, puis en ralentissant manuellement l’une d’elles avec un doigt. Un effet totalement artisanal, mais génial. À l’époque, le morceau a été banni par la BBC sous prétexte qu’il évoquait la drogue. En réalité, c’était vrai.  

  Malheureusement, les étoiles brillent trop fort. Steve Marriott quitte le groupe en 1969 pour fonder Humble Pie. Les autres rejoignent Rod Stewart et Ron Wood pour former The Faces, un autre chapitre culte. Trop souvent relégués au second plan derrière les Beatles, les Stones, les Kinks ou les Who, les Small Faces ont pourtant influencé des générations de musiciens de Blur à Oasis. Leur son, leur énergie et leur sens de l’expérimentation en font des pionniers du rock psyché et une référence absolue du mouvement mod. Bien plus tard, on les considèrent parmi les prophètes de la Britpop. 

  Anecdote : avant de fonder Led Zeppelin, Jimmy Page voulait que Steve Marriott soit le chanteur de son nouveau groupe. Marriott, déjà engagé dans Humble Pie, a décliné. Alors Page est allé chercher un certain Robert Plant. Le destin du rock aurait pu être bien différent !

  Ils ont produit 5 albums studio, 3 EP, 14 compilations... On ne sait pas combien d'albums ont été vendus, surement des millions car leur musique a traversé les décennies, peu importe les chiffres, les Small Faces ont vendu une attitude, un son et un style.

Musique : Van Halen, énergie et virtuosité

  Eddie Van Halen, est considéré, non pas comme étant un des meilleurs guitaristes des années 80. Non, il est considéré comme l'un des plus grands musiciens de tout les temps. Van Halen est créé en 1972 sous le nom de Genesis, mais ils se rendent compte qu'il existe un autre groupe Genesis, qui existe déjà. Ensuite, ils prennent le nom de Mammoth, mais pareil, le nom existe déjà. Il a fallu attendre le chanteur David Lee Roth en 1974 pour nommer le groupe : Van Halen, qui sonnait mieux (et qui n'était pas encore pris). 

  Van Halen c'est d'abord deux frères virtuoses, Eddie et Alex, originaires de Nimègue aux Pays-Bas, qui ont migré à Pasadena avec leurs parents. Eddie à la guitare et Alex à la batterie. Leur musique est unique, du hard rock, et un zeste de pop. Le groupe a marqué l'histoire de la musique avec une certaine énergie, et la virtuosité de Eddie. 

  Un jour, les deux frères vont à un concert de Led Zeppelin. A un moment donné, le guitariste de Led Zep' (Jimmy Page) tourne le dos au publique et se met à jouer un solo surnaturel. Eddie comprends tout de suite de ce qu'il est en train de faire, il s'agit du tapping. C'est peut être une révélation pour lui, à ce moment là. Il a poussé la technique du tapping à son sommet créant un style unique en son temps. (le tapping consiste à jouer les deux mains sur le manche de la guitare) Célèbre pour avoir pousser la technique du tapping à son sommet, il a aussi utilisé le Floyd Rose, une manière d'accorder sa guitare en pouvant utiliser le vibrato sans la désaccorder, avec une sonorité unique en plus. Une sonorité absente des autres guitares de l'époque, on appel ce son le Dive Bomb.

  Le groupe ne décolle vraiment qu'en 1978, lorsque Van Halen sort un album éponyme. S'en suit une douzaine d'albums studios, des compilations et des lives. En tout c'est près de 80 millions d'albums qui se sont écoulés. Le groupe se dissout en 2020 avec la mort de Eddie suite à un cancer de la gorge. Son jeu à la guitare, son jeu de scène et ses innovations techniques continuent d'influencer des millions de guitaristes à travers le monde.

  Entre temps, ils sortent des tubes intemporels, "Aint Talkin' 'Bout Love" est mon préféré, il y a aussi "Eruption" qui les a fait connaître, et des hits que tout le monde à déjà entendu au moins une fois dans sa vie. Je parle de "Jump" de "Panama" de "Running With The Devil". En 2007, Van Halen est classé dans le livre des records comme étant le groupe ayant eut le plus grand nombre de tube dans la Billboard Mainstream Rock List. 

  Petite anecdote, Eddie a collaboré avec Michael Jackson pour la création du fameux album Thriller. Il à d'abord cru à une blague puis a accepté de jouer gratuitement le riff et le solo de Beat It, une des chansons phare de l'album. A la fin des enregistrements il crée un arrangement du morceau sans en parler à personne. En fin de compte, tout le monde a été agréablement surpris, et c'est cet arrangement qui a été choisit. A la croisée des chemins du rock et de la pop, un vrai coup de génie ! 

  Au final, et peut être que je me répète, ce monsieur a influencé des générations de guitaristes et continue de le faire post-mortem.. 

Musique : The Pixies, du indé-rock-explosif !

  The Pixies, formés en 1986 à Boston, est un groupe de rock alternatif. Leur musique est un mélange de rock, de pop expérimentale, de surf rock, de punk et de grunge. 

  On dit d'eux qu'ils ont fortement influencé la musique des années 90 comme Nirvana, Radiohead ou encore Weezer. Il est vrai qu'avec la structure de leur chansons (souvent imprévisibles), alternant, calme et fort se retrouve dans beaucoup de chansons des années 90. 

Mais l'idée ne s'arrête pas là ! 

  Leur son est marquée par des rythmes parfois planants ou tranchants, et nerveux. Parfois ces trois attributs sont dans la même chanson.. Les textes qui les accompagnent sont souvent incompréhensibles, références biblique, surréalisme, science fiction et images poétiques. La voix du chanteur et guitariste Black Francis, alterne, allant des murmures à des hurlements. Tandis que la voix de la chanteuse bassiste Kim Deal possède un rôle primordial. Elle vient harmoniser le tout en apportant une touche mélodique féminine qui adoucie l'agressivité musicale du groupe (sans Kim Deal, le band ne serait pas ce qu'il est). 

  Les journalistes du magazine Spin dépeignent la musique des Pixies comme ceci :"une rencontre entre la surf musique et les Stooges, pour le côté tranchant de ces derniers, avec des dynamiques calmes et bruyantes au sein du même morceau et une succession de départ et d'arrêts."

  De Surfer Rosa en 1988 à The Night The Zombies Came en 2024, le groupe sort 10 albums pour un total d'environ 3 millions d'albums vendus, ce qui est peux par rapport à la popularité du groupe et la beauté saisissante de leurs chansons (sans compter son influence majeur sur le son des 90's. Le groupe se sépare en 1993 et se reforme, onze ans plus tard, en 2004. Le premier album Surfer Rosa, tient du génie à cette époque avec une chanson qui deviendra la référence quand on parle des Pixies, tout le monde la connait, il s'agit de Where Is My Mind? (entendue dans la scène finale de Fight Club). Le second album Doolittle aussi est excellent avec des tubes comme Monkey Gone To Heaven ou Debaser. 

  Puis d'un côté, au fil du temps, les ventes baissent mais d'un autre côté, l'impacte s'affirme sur toute une génération de musiciens et d'artistes. 

  Mélodies pop et explosions punk, dont l'impact musicale dépasse le succès commercial. 

Musique : The XX, un rock minimaliste

  The XX est un trio qui produit un rock minimaliste. Né en 2005 à Londres, le groupe est composé de Jamie xx, Oliver Sim et Romy Madley Croft, c'est aussi un groupe qui émet des chansons tristes et intimes. Il mélange pop folk avec des influences new wave et électro. Ils ont sortit trois albums, au total environ un million de ventes. Ce qui est un exploit de nos jours avec, à l'opposé, les "artistes pop" surmédiatisées, qui sont dotés d'une machine publicitaire omniprésente, qui rabat les oreilles du matin au soir de sonorités et de textes, qui au finale sont plutôt médiocres. 

  The XX se distingue avec des mélodies mélancoliques, des textes qui s'entrecroisent et un rendu dépouillé, minimaliste. 

  Crystalised ci dessus est ma chanson préférée de ce groupe.

Musique : The B-52's, la new wave a ses débuts

  L'expression new wave ( traduire : nouvelle vague ) est tirée de la Nouvelle Vague du cinéma français des années 50. Elle éclot au cours des 70's dans le monde anglo-saxon. A la base cette expression définissait le mouvement des groupes et artistes qui ont débarqués après l'explosion du punk rock (le meilleur exemple de punk rock est et restera à jamais les Sex Pistols). La définition du mouvement new wave est assez large c'est du pop rock donc, qui est apparut après l'arrivée du punk rock. Elle inclus le punk mélangé avec le bon vieux rock n roll, la musique électronique expérimentale et parfois disco. Aussi une très grande diversité stylistique qui ne sera reconnu que 10 ans plus tard dans le milieux des années 80. Depuis les débuts, jusque dans les années 80 la new wave était un mouvement énergique, puis il s'est calmé, on parle alors de "musique dénuée de sens" ou de "musique écouté par des dépressifs". Elle réapparaitra dans les années 2000 sans toutefois avoir complètement disparu entre temps. On pourrait en discuter des heures, mais là n'est pas le but de cet article, en gros, la new wave c'est ça.

  The B-52's est apparut en 1976 et fut un des fer de lances du mouvement "nouvelle vague" d'avant 80. Il s'est formé à Athens en Georgie (USA). On pourrait croire que le nom vient du bombardier américain, le fameux B-52 mais non, il n'en est rien. En fait, l'expression B52 désigne une coupe de cheveux du genre choucroute, comme celles que porte les chanteuses initiales du groupe. La coupe B52 est celle que porte Marge dans la série culte : Les Simpson. 

  Leur premier single "Rock Lobster" est commercialisé en 1978, très vite il s'arrache à New-York en particulier dans le milieu underground. Un peu plus tard le groupe fait souvent la première partie des concerts de Talking Heads. De ses débuts en 1976 jusqu'à leur dernier album en 2008 il s'est écoulé une bonne quinzaine d'album pour un volume total de 20 millions de ventes dans le monder entier. Mais, les B-52s sont une référence aux USA et des inconnus en Europe. Pour énormément de mélomanes friands de sonorités pop rock et new wave, les B-52's leur est inconnus. D'ailleurs leur premier titre est la chanson référence. quatre autres chansons entrent dans le panthéon de la musique moderne, il s'agit de Private Idaho, Roam, Planet Clair, et Love Shack. 

Les paroles de Private Idao :

Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo

You're living in your own private Idaho
Living in your own private Idaho (oh)
Underground like a wild potato
Don't go on the patio
Beware of the pool, blue bottomless pool
It leads you straight right through the gate that opens on the pool

You're living in your own private Idaho
You're living in your own private Idaho
Keep off the path, beware of the gate (your own private Idaho)
Watch out for signs that say "hidden driveways" (your own private Idaho)
Don't let the chlorine in your eyes (woah, woah)
Blind you to the awful surprise (woah-oh-oh-oh-oh, yeah)
That awaits for you at the bottom of the bottomless blue, blue, blue pool

You're livin' in your own private Idaho, Idaho
You're out of control, the rivers that roll
You fell into the water and down to Idaho
Get out of the state, get out of the state you're in
You better beware

You're living in your own private Idaho
You're living in your own private Idaho
Keep off the patio (your own private Idaho)
Keep off the path (your own private Idaho)
The lawn may be green, but you better not be seen (woah, woah)
Walkin' through the gate that leads you down (woah-oh-oh-oh-oh, yeah)
Down to a pool fraught with danger, it's a pool full of strangers

Hey! You're living in your own private Idaho
Where do I go from here to a better state than this?
Well, don't be blind to the big surprise
Swimming 'round and 'round like the deadly hand of a radium clock
At the bottom of the pool

I-I-Idaho, I-I-Idaho
Woah-oh, woah, woah-oh-oh
Woah-oh-oh-oh-oh
Ah-ah-ah-ah
Ah-ah-ah-ah

Get out of the state (ah-ah-ah-ah)
Get out of the state (ah-ah-ah-ah)
You're living in your own private Idaho
Livin' in your own private Idaho

La traduction des paroles :

Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo

Vous vivez dans votre propre
Private Idaho 

Vivez dans votre propre Private Idaho
métro comme une pomme de terre sauvage.
Ne pas aller sur la terrasse.
Méfiez-vous de la piscine,
piscine fond bleu.
Il vous mène
droite droite par la porte
Cela ouvre sur la piscine.

Vous vivez dans votre propre Private Idaho.
Vous vivez dans votre propre Private Idaho.

Gardez hors des sentiers, méfiez-vous de la porte,
Attention aux signes qui disent "allées cachées".
ne laissez pas le chlore dans les yeux
vous aveugle à la surprise
terrible Cela Waitin 'pour vous à
le fond du bleu bleu bleu piscine sans fond.

Vous êtes livin 'dans votre propre Private Idaho. Idaho.
Vous êtes hors de contrôle, les rivières qui roulent,
Vous êtes tombé dans l'eau et vers le bas pour Idaho.
Sortir de cet état,
sortir de cette état où vous êtes.
tu ferais mieux de se méfier.

vous vivez dans votre propre Private Idaho.
vous vivez dans votre propre Private Idaho.

Gardez côté de la terrasse,
Gardez hors des sentiers.
la pelouse peut être
verte mais il vaut mieux ne pas être vu
Marchez à travers la porte qui vous mène vers le bas ,
bas pour une piscine pleine de dangers
ya une piscine pleine d'étrangers.

Vous vivez dans votre propre Private Idaho,
Où dois-je aller ici pour un meilleur état que cela.
Eh bien, ne soyez pas aveugle à la grande surprise
piscine en rond comme le meurtrier
main d'une horloge de radium, au fond de la piscine .

III-daho
III-daho
Woah oh oh oh oh woah woah oh oh
Ah ah ah ah 

ah ah ah ah

Sortez de cet état
sortir de cet état
Vous vivez dans votre propre Private Idaho,
Vivez 'dans votre propre privé .... Idaho