Musique : The Buggles, quand la new wave rencontre le futur

 

  The Buggles est un duo britannique emblématique des années 1980, composé de Trevor Horn et Geoff Downes. Formé à Londres en 1977, le groupe s’inscrit dans le mouvement new wave et est surtout connu pour sa capacité à fusionner pop électronique, synthétiseurs et expérimentations sonores. Leur musique reflète l’ère naissante de la technologie dans la production musicale et annonce une nouvelle façon de concevoir le son pop. Leur premier album, The Age of Plastic (1980), est un manifeste synth-pop où se mêlent thèmes futuristes et sonorités novatrices. L’album est principalement marqué par le titre “Video Killed the Radio Star”, sorti en 1979, qui reste aujourd’hui encore l’un des singles les plus emblématiques de l’histoire de la musique pop. Ce morceau a également eu la particularité d’être le tout premier clip diffusé sur MTV en 1981, symbolisant la transition vers une ère où la vidéo et la musique seraient indissociables. Le son de The Buggles repose sur des arrangements sophistiqués, l’utilisation massive de synthétiseurs et une approche quasi expérimentale du studio. Trevor Horn, en tant que producteur, a façonné un style sonore qui allait influencer de nombreux artistes et groupes dans les décennies suivantes, notamment dans la pop et le rock électronique. Geoff Downes, de son côté, apportait une touche musicale héritée du rock progressif, qu’il avait développée au sein du groupe Yes avant et après sa collaboration avec Horn. Malgré leur succès immédiat, The Buggles restent un groupe de studio limité, avec seulement deux albums à leur actif : The Age of Plastic (1980) et Adventures in Modern Recording (1981). Cependant, l’impact du duo dépasse largement leur discographie. Trevor Horn s’impose ensuite comme l’un des producteurs les plus influents de la pop et du rock, travaillant avec Frankie Goes to Hollywood, Seal ou Yes, tandis que Downes continue de briller dans des projets de rock progressif. L’influence de The Buggles réside autant dans leur esthétique musicale que dans leur vision artistique : ils ont anticipé l’importance de la vidéo musicale, l’ère du numérique et l’intégration des synthétiseurs dans la pop mainstream. “Video Killed the Radio Star” reste un symbole intemporel de cette révolution, un pont entre les années 70 et le monde audiovisuel moderne. Leur œuvre illustre comment un projet relativement court mais visionnaire peut transformer le paysage musical, inspirer des générations d’artistes et laisser une empreinte indélébile sur la culture populaire.

  The Buggles incarnent l’exemple parfait d’un groupe où la vision artistique dépasse la quantité de production. Leur approche, combinant innovation technologique et sensibilité pop, a ouvert la voie à l’ère moderne de la musique électronique et de la vidéo musicale. Bien que leur carrière en duo ait été brève, leur influence perdure à travers le travail de Trevor Horn en tant que producteur et la continuité musicale de Geoff Downes dans le rock progressif. The Buggles nous rappellent que l’innovation dans la musique ne se mesure pas seulement en albums ou en concerts, mais par la capacité d’un projet à redéfinir le rapport entre technologie, médias et culture populaire. “Video Killed the Radio Star” demeure ainsi un symbole intemporel de la rencontre entre le son, l’image et la modernité, prouvant que l’impact d’un artiste peut transcender son époque et façonner durablement l’histoire de la musique.

Musique : Boy George & Culture Club, icône intemporelle de la pop des années 80

 

  Boy George, de son vrai nom George Alan O’Dowd, est né le 14 juin 1961 à Bexley, en Angleterre. Chanteur, compositeur et personnalité marquante de la scène musicale des années 1980, il est surtout connu comme le leader du groupe Culture Club, dont les tubes ont traversé les décennies et marqué l’histoire de la pop. Sa voix androgyne et puissante, son style flamboyant et sa capacité à mélanger les genres musicaux font de lui une figure inoubliable de la culture musicale britannique. Le succès de Boy George et de Culture Club a été fulgurant dès le début des années 1980. Des titres comme “Do You Really Want to Hurt Me”, “Karma Chameleon” ou “Church of the Poison Mind” ont dominé les charts internationaux. Leur style mêlait pop, soul, reggae et new wave, créant une identité sonore unique qui séduisait un public très large. Au-delà de la musique, Boy George est rapidement devenu un symbole de l’expression de soi et de la liberté sexuelle, défiant les normes sociales de son époque avec son look excentrique et coloré. Après la période Culture Club, Boy George a poursuivi une carrière solo avec des albums notables tels que Sold (1987), Tense Nervous Headache (1988) et Cheapness and Beauty (1995). Ses expérimentations musicales ont inclus des influences dance, électronique et house, prouvant sa capacité à évoluer avec les tendances musicales tout en conservant son identité artistique. Au fil des années, Boy George s’est également imposé comme DJ et figure médiatique, participant à des émissions de télévision et s’engageant dans diverses causes sociales et humanitaires. Son influence sur la mode, la pop culture et la tolérance sociale reste considérable, faisant de lui bien plus qu’un simple chanteur : un véritable icône culturelle. Culture Club a vendu plus de 50 millions d’albums dans le monde. Karma Chameleon reste leur plus grand tube, numéro 1 dans de nombreux pays.

  Boy George incarne l’audace et la créativité. Sa carrière, jalonnée de succès, de controverses et de renaissances artistiques, illustre la force de la singularité et de l’authenticité dans le monde de la musique. Sa voix, son style et son message continuent d’inspirer de nouvelles générations, confirmant son statut de légende de la pop mondiale.

Musique : Partenaire Particulier, le funk et la new wave qui ont fait danser les années 80

  Dans le paysage musical français des années 1980, Partenaire Particulier s’est rapidement imposé comme un groupe incontournable, mélangeant habilement funk, new wave et pop électronique. Originaire de France, le duo formé par Breton et Éric Charden (à ne pas confondre avec le chanteur éponyme) a su capturer l’air du temps avec des mélodies dansantes et des textes à la fois légers et engageants. Leur titre le plus célèbre, “Partenaire Particulier”, sorti en 1985, est devenu un véritable hymne des boîtes de nuit françaises et européennes. Avec son rythme funky, ses synthés caractéristiques et son refrain accrocheur, la chanson symbolise parfaitement l’esthétique musicale de cette période, où la technologie et l’innovation sonore étaient au cœur des productions pop et new wave. Le groupe a marqué son époque non seulement par son style musical, mais également par son identité visuelle : tenues colorées, clips dynamiques et une présence scénique qui reflétait l’esprit festif et avant-gardiste des années 80. Leur musique a souvent été comparée à celle de groupes européens contemporains tels que Téléphone ou Indochine, mais avec une orientation plus dansante et synthétique. Malgré un succès fulgurant avec leur premier single, Partenaire Particulier a eu du mal à maintenir la même notoriété au fil des années. Néanmoins, leur contribution à la scène française reste significative, et leur musique continue de faire danser les nostalgiques des années 80 ainsi que de séduire les nouvelles générations grâce à la redécouverte de ces classiques via les plateformes de streaming. Je n’ai pas trouvé de source fiable indiquant le nombre total d’albums vendus pour le groupe, ni la certification exacte des albums eux‑mêmes. Leur single « Partenaire particulier» (le titre éponyme) a été certifié disque d’or pour plus de 500 000 exemplaires vendus en France.

  Partenaire Particulier incarne parfaitement le mélange d’innovation et de fun qui caractérisait la scène musicale française des années 1980. Leur titre éponyme reste un symbole intemporel de cette époque, rappelant à la fois la liberté créative et la vitalité musicale qui ont fait vibrer toute une génération. Même aujourd’hui, leur influence se fait sentir dans la musique électronique et pop française contemporaine, et leur nom reste synonyme de pulsations funky et de nostalgie festive.

 

Musique : Indochine, 40 ans de succès entre ombre et lumière

  Né en 1981, Indochine est le fruit d'une rencontre entre Stephane Sirkis et Nicola Sirkis (jumeaux). Dans un contexte post-punk et new wave, leur envie commune de créer une musique différente du courant dominant donne naissance à un style mêlant mélodies entêtantes, textes énigmatiques et influences synthétiques venues de l’Angleterre. Très vite, le groupe prend son envol avec des titres qui marquent toute une génération. Indochine, c’est un mélange singulier de romantisme noir, de rock synthétique et d’une forme de poésie mélancolique. Le groupe emprunte à la cold wave, à la pop et au rock gothique tout en conservant une identité visuelle forte. On y retrouve des textes empreints de mystère, de rébellion douce, de quête identitaire et de nostalgie adolescente. Leur univers, souvent qualifié de "dark romantique", parle autant à la jeunesse des années 80 qu’à celle d’aujourd’hui. Leur carrière décolle avec l’album L’Aventurier (1982), dont la chanson titre, inspirée de Bob Morane, devient immédiatement culte. Suivent Trois nuits par semaine, Canary Bay, Tes yeux noirs, 3e sexe... Le succès est fulgurant dans les années 80. Après un passage à vide dans les années 90, Indochine revient en force avec Paradize (2002), porté par J’ai demandé à la lune, puis enchaîne les tubes modernes : Alice & June, College Boy, La vie est belle, Un été français etc... Indochine a sorti 13 albums studio entre 1982 et 2024, ainsi que de nombreux albums live et compilations. Ils ont vendu plus de 13 millions d’albums à travers le monde. Le groupe détient aussi le record du plus grand nombre de concerts donnés dans les stades français pour un groupe francophone.

  Indochine n’est pas juste un groupe : c’est une histoire d’amour durable avec son public, une voix pour les êtres sensibles et marginaux, un refuge pour les cœurs mélancoliques. À travers les décennies, leur musique a su évoluer sans jamais trahir son âme. Indochine, c’est l’éclat d’une étoile noire dans le ciel de la pop française. Une aventure humaine et artistique, sincère et flamboyante. Et c’est loin d’être fini.

Musique : INXS, entre excess et success

 

  Né à la fin des années 1970 à Sydney, INXS (prononcé "in excess") est l’un des plus grands groupes australiens à avoir conquis le monde. À l’origine formé sous le nom de The Farriss Brothers en 1977, le groupe est constitué des frères Farriss — Andrew (claviers, guitare), Tim (guitare) et Jon (batterie) — rejoints par Garry Gary Beers (basse), Kirk Pengilly (guitare et saxophone) et l’inoubliable Michael Hutchence au chant, charismatique figure devenue rapidement l’âme et le visage du groupe.

  Le style d’INXS est un savant mélange de rock, de pop et de funk, enrichi d’influences new wave et dance qui se ressentent surtout dans leurs plus grands hits. Cette fusion musicale, combinée au charisme et à la voix sensuelle de Hutchence, leur a permis de séduire un public mondial tout au long des années 1980 et 1990. Le groupe démarre modestement, jouant dans de petits clubs australiens, mais leur talent explose véritablement avec l’album "Shabooh Shoobah" (1982) qui inclut le hit Don’t Change. Ils confirment leur succès avec "The Swing" (1984) et surtout "Listen Like Thieves" (1985), porté par le tube What You Need. En 1987, c’est la consécration planétaire grâce à l’album "Kick", un chef-d'œuvre certifié multi-platine contenant des classiques comme Need You Tonight, New Sensation, Devil Inside et Never Tear Us Apart.

  Au total, INXS a enregistré 12 albums studio, dont plusieurs sont devenus des références incontournables du rock des années 80 et 90. Le groupe a vendu plus de 50 millions d’albums à travers le monde, ce qui les place parmi les groupes australiens les plus populaires aux côtés d’AC/DC et Men at Work.

  La carrière d’INXS est marquée par des anecdotes parfois légères, parfois tragiques. En coulisses, Michael Hutchence était connu pour ses frasques, sa relation passionnelle avec la chanteuse Kylie Minogue et son aura mystérieuse. L’un des moments les plus poignants de leur histoire survient en 1997, lorsque Hutchence est retrouvé mort à Sydney, mettant brutalement fin à l’âge d’or du groupe. Le 22 novembre 1997, Michael Hutchence est retrouvé mort dans sa chambre d’hôtel au Ritz-Carlton de Sydney, à seulement 37 ans. Sa disparition choque profondément ses fans et laisse le monde du rock orphelin d’une de ses icônes les plus charismatiques. Les circonstances exactes de sa mort font longtemps l’objet de spéculations. L’enquête officielle conclut à un suicide par pendaison sous l’effet d’une forte consommation d’alcool et d’antidépresseurs, mais certaines rumeurs évoquent aussi un geste malheureux lié à des pratiques d’asphyxie érotique. À ce drame personnel s’ajoutaient de fortes tensions familiales et judiciaires autour de sa fille Tiger Lily, née de sa relation avec Paula Yates, et un climat émotionnel particulièrement sombre dans les jours précédents. Sa disparition marque un tournant irréversible pour INXS et symbolise tragiquement la fragilité qui peut se cacher derrière la lumière aveuglante de la célébrité. Malgré tout, Michael Hutchence reste dans la mémoire collective comme un chanteur magnétique et passionné, dont la voix et la présence continuent de résonner bien au-delà des années 90. Après ce drame, INXS tente de continuer : plusieurs chanteurs se succèdent, dont Jon Stevens, J.D. Fortune (vainqueur de l’émission Rock Star: INXS en 2005), mais malgré quelques tournées et albums, la magie de l’époque Hutchence ne sera jamais totalement retrouvée. En 2012, le groupe annonce finalement sa retraite après plus de 35 ans de carrière.

  Aujourd’hui encore, leurs morceaux comme Never Tear Us Apart ou Need You Tonight continuent d’être repris, remixés et diffusés, preuve que le groove et l’énergie d’INXS traversent le temps et restent ancrés dans la mémoire collective.

Musique : Status Quo, du rock’n’roll sans fioritures

  C’est un groupe de rock britannique formé en 1962, d’abord sous le nom de The Spectres, puis The Status Quo, avant de devenir simplement Status Quo. Leurs riffs sont simples mais efficaces, et leur carrière est d'une incroyable longévité. Status Quo, c’est le rock boogie par excellence, avec un son reconnaissable entre mille. Pas d’esbroufe technique, mais une efficacité redoutable et une énergie taillée pour la scène. Des titres emblématiques comme "Caroline" "Down Down" "Ice in the Sun" "Again and Again" "Pictures of Matchstick Men" "In the Army Now" "Burning Bridges". Plusieurs étapes, boogie, psychédélique, new wave, etc... tout en restant fidèle à la pop. Avec plus de 60 albums (studio, live, compilations), ils font partie des groupes les plus prolifiques du Royaume-Uni. Francis Rossi et Rick Parfitt (décédé en 2016) en étaient les figures emblématiques. Status Quo a vendu environ 118 millions d'albums dans le monde au cours de leur carrière. Ce chiffre comprend les albums studio, live, compilations et singles, car le groupe a eu une activité discographique intense depuis les années 60. Status Quo est toujours actif en 2025, bien que dans une forme remaniée par rapport à ses débuts. Francis Rossi, chanteur et guitariste emblématique, est le seul membre fondateur encore en activité dans le groupe. En somme, Status Quo est aujourd’hui un groupe de légende vivant, qui assume son âge tout en gardant la flamme sur scène. C’est un des rares groupes à avoir traversé plus de 60 ans d’histoire du rock avec une telle constance.

Musique : New Order, mystique, violent et surnaturel

  Le groupe naît en 1980 à Manchester au Royaume Unis, après la mort de Ian Curtis, meneur de Joy Division qui s'est suicidé à l'âge de 23 ans. Les musiciens restants du groupe décident de reprendre leur carrière en fondant un nouveau groupe, produisant un mélange de new wave, d'electro rock teinté de house et de dance. De 1981 à 2015 ils produisent une dizaine d'albums, ils ne vendent que 4 ou 5 millions d'albums. Mais pour les puristes de musique électro, New Order est une référence, "Blue Monday" leur chanson phare sortit en 1983 dans l'album "Power, Corruption & Lies" est un succès commercial. Ce single 12 tour est le plus vendu de tout les temps. 

  Ils ont, à leur façon marqué la musique des années 80 et 90 d'une manière quasi underground, sans succès évident mais sans échecs non plus. Le son du groupe est à la fois violent et mystique, ce qui donne au final un air surnaturel à leurs chansons. 

  L'utilisation du synthétiseur et de rythmiques du genre "boite à rythme" caractérise leur musique. Mais cette particularité est aussi un parfait exemple de ce que fut la production musicale des années 80 avec ce petit côté futuriste et hors du temps, donnant ce même côté que je qualifie de surnaturel.

Musique : The B-52's, la new wave a ses débuts

  L'expression new wave ( traduire : nouvelle vague ) est tirée de la Nouvelle Vague du cinéma français des années 50. Elle éclot au cours des 70's dans le monde anglo-saxon. A la base cette expression définissait le mouvement des groupes et artistes qui ont débarqués après l'explosion du punk rock (le meilleur exemple de punk rock est et restera à jamais les Sex Pistols). La définition du mouvement new wave est assez large c'est du pop rock donc, qui est apparut après l'arrivée du punk rock. Elle inclus le punk mélangé avec le bon vieux rock n roll, la musique électronique expérimentale et parfois disco. Aussi une très grande diversité stylistique qui ne sera reconnu que 10 ans plus tard dans le milieux des années 80. Depuis les débuts, jusque dans les années 80 la new wave était un mouvement énergique, puis il s'est calmé, on parle alors de "musique dénuée de sens" ou de "musique écouté par des dépressifs". Elle réapparaitra dans les années 2000 sans toutefois avoir complètement disparu entre temps. On pourrait en discuter des heures, mais là n'est pas le but de cet article, en gros, la new wave c'est ça.

  The B-52's est apparut en 1976 et fut un des fer de lances du mouvement "nouvelle vague" d'avant 80. Il s'est formé à Athens en Georgie (USA). On pourrait croire que le nom vient du bombardier américain, le fameux B-52 mais non, il n'en est rien. En fait, l'expression B52 désigne une coupe de cheveux du genre choucroute, comme celles que porte les chanteuses initiales du groupe. La coupe B52 est celle que porte Marge dans la série culte : Les Simpson. 

  Leur premier single "Rock Lobster" est commercialisé en 1978, très vite il s'arrache à New-York en particulier dans le milieu underground. Un peu plus tard le groupe fait souvent la première partie des concerts de Talking Heads. De ses débuts en 1976 jusqu'à leur dernier album en 2008 il s'est écoulé une bonne quinzaine d'album pour un volume total de 20 millions de ventes dans le monder entier. Mais, les B-52s sont une référence aux USA et des inconnus en Europe. Pour énormément de mélomanes friands de sonorités pop rock et new wave, les B-52's leur est inconnus. D'ailleurs leur premier titre est la chanson référence. quatre autres chansons entrent dans le panthéon de la musique moderne, il s'agit de Private Idaho, Roam, Planet Clair, et Love Shack. 

Les paroles de Private Idao :

Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo

You're living in your own private Idaho
Living in your own private Idaho (oh)
Underground like a wild potato
Don't go on the patio
Beware of the pool, blue bottomless pool
It leads you straight right through the gate that opens on the pool

You're living in your own private Idaho
You're living in your own private Idaho
Keep off the path, beware of the gate (your own private Idaho)
Watch out for signs that say "hidden driveways" (your own private Idaho)
Don't let the chlorine in your eyes (woah, woah)
Blind you to the awful surprise (woah-oh-oh-oh-oh, yeah)
That awaits for you at the bottom of the bottomless blue, blue, blue pool

You're livin' in your own private Idaho, Idaho
You're out of control, the rivers that roll
You fell into the water and down to Idaho
Get out of the state, get out of the state you're in
You better beware

You're living in your own private Idaho
You're living in your own private Idaho
Keep off the patio (your own private Idaho)
Keep off the path (your own private Idaho)
The lawn may be green, but you better not be seen (woah, woah)
Walkin' through the gate that leads you down (woah-oh-oh-oh-oh, yeah)
Down to a pool fraught with danger, it's a pool full of strangers

Hey! You're living in your own private Idaho
Where do I go from here to a better state than this?
Well, don't be blind to the big surprise
Swimming 'round and 'round like the deadly hand of a radium clock
At the bottom of the pool

I-I-Idaho, I-I-Idaho
Woah-oh, woah, woah-oh-oh
Woah-oh-oh-oh-oh
Ah-ah-ah-ah
Ah-ah-ah-ah

Get out of the state (ah-ah-ah-ah)
Get out of the state (ah-ah-ah-ah)
You're living in your own private Idaho
Livin' in your own private Idaho

La traduction des paroles :

Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo
Hoo-hoo-hoo-hoo-hoo

Vous vivez dans votre propre
Private Idaho 

Vivez dans votre propre Private Idaho
métro comme une pomme de terre sauvage.
Ne pas aller sur la terrasse.
Méfiez-vous de la piscine,
piscine fond bleu.
Il vous mène
droite droite par la porte
Cela ouvre sur la piscine.

Vous vivez dans votre propre Private Idaho.
Vous vivez dans votre propre Private Idaho.

Gardez hors des sentiers, méfiez-vous de la porte,
Attention aux signes qui disent "allées cachées".
ne laissez pas le chlore dans les yeux
vous aveugle à la surprise
terrible Cela Waitin 'pour vous à
le fond du bleu bleu bleu piscine sans fond.

Vous êtes livin 'dans votre propre Private Idaho. Idaho.
Vous êtes hors de contrôle, les rivières qui roulent,
Vous êtes tombé dans l'eau et vers le bas pour Idaho.
Sortir de cet état,
sortir de cette état où vous êtes.
tu ferais mieux de se méfier.

vous vivez dans votre propre Private Idaho.
vous vivez dans votre propre Private Idaho.

Gardez côté de la terrasse,
Gardez hors des sentiers.
la pelouse peut être
verte mais il vaut mieux ne pas être vu
Marchez à travers la porte qui vous mène vers le bas ,
bas pour une piscine pleine de dangers
ya une piscine pleine d'étrangers.

Vous vivez dans votre propre Private Idaho,
Où dois-je aller ici pour un meilleur état que cela.
Eh bien, ne soyez pas aveugle à la grande surprise
piscine en rond comme le meurtrier
main d'une horloge de radium, au fond de la piscine .

III-daho
III-daho
Woah oh oh oh oh woah woah oh oh
Ah ah ah ah 

ah ah ah ah

Sortez de cet état
sortir de cet état
Vous vivez dans votre propre Private Idaho,
Vivez 'dans votre propre privé .... Idaho